在燈與光的追逐下思考《感覺的邊界》

跑過電音派對的聽眾會發現，DJ選擇播放的每一首曲子和對每一首曲子的銜接，跟訴諸一套明顯的敘事（音樂之外的道理、概念或其他考量）比起來，更講究拍點的適切（即音樂內部素材的親近性）。單一首大約三到五分鐘的曲子，鋪排是一定有的，好比常見的淡入淡出，素材由簡約到繁複的發展；但無論如何，通常會在拍點最急促、聲音表情飽滿到頂端的地方轉入新的循環、進入下一首曲子，於是聽眾剛才感受到的順序又再走一遍。當然，這是一種螺旋式的前進，不是無謂的重複。

這些曲子的結構、運用的音色和頻率乃至聲部的多寡，固然不同，但一整晚──半夜十一點到凌晨四點的那種──都採取循環模式。派對參與者在每一個循環週期中感受不同的節奏，享受不同的音色，並期待下一首曲子從既有曲子中轉化而來，身體的自由擺盪也由此而生。

發生在台中國家歌劇院小劇場的《感覺的邊界》，由SYNZR主創，吳秉聖、劉承杰和邱俊霖是主要創作者，燈光和音響設計者分別是陳崇文和陳浩均。作品全長約一小時，沒有中場休息。

是的，它是一件「作品」，所以不是前文所說的那種為了讓參與者起舞，而先後銜接多首曲子的公路旅程。因為這樣，既有的鋪陳必須拉到長篇敘事的層級，否則難以撐完一個小時；在這樣的尺幅下，素材必須更加節約地使用。穩定可預期的拍點若不足，聽眾的身體將不易跟著舞動；隨機無序的聲音設計若太多，聆聽的焦點則可能渙散。一小時的長度使全作的發展顯得拘謹而按部就班，至少對身為聽眾之一的筆者來說，似乎不斷被提醒創作者正（過度）小心地「安排」著什麼。

論旋律、節拍和氣氛，本作在聲響方面是精緻的上品，但就少了那麼些野性與弛放。與其說這些氣質的不足來自技術，不如說來自演出本身的型態：除了長篇作品的形式，還包括發生的物理場域和面向的受眾。

搭配著聲音，全作最亮眼的無疑是燈光；不，應該說是「燈」與「光」。入場後，我們會發現四面高聳的LED長板豎於舞台四角，倆倆對應（舞台被我們圍繞，近場地中央）；演出則由投影於小劇場主牆面的光團展開──這團光依序經過四面LED長板，隨後，長板畫面上緩緩浮現出同樣是圓形的漸層紅黃光團，它們收縮、擴張、移動，彼此交換位置。

大家看到這邊，應該會馬上猜想這次的演出將不斷遊走在「燈」（LED是光源本身）和「光」（投影畫面不是光源本身，而是其延伸）之間。果然稍後我們看到，創作者在燈與光的互動之間下足了工夫，好比把場燈的光束打向LED，LED面板本身的光在被光束打到的位子上「讓開」，並跟著它移動而繼續「退散」。如果LED可以稱作一種「虛」（來自畫面內部），場燈是一種「實」（來自場館空間本身），這確實是一種別出心裁的「虛實互動」。

更有意思的是，實體場燈把光打出，因為物理原則，光的亮度將隨著距離拉遠而趨弱，而場燈又被金屬外殼所包覆，光因此獲得某種形狀和輪廓。這時，如果我們從「側邊」觀看這樣的場燈及其打出去的光，就會看到一個「三角形」：其中一個角是場燈，燈光的亮度在此最強，而該角的兩邊則是光的邊沿，該角的對邊則是趨弱的光線，因為離光源最遠。類似這種「三角形」的圖案曾短暫出現在LED面板上，成為演出的段落和素材──這等於是說「實體場燈」及其光亮的型態，被收攏在「虛擬光源」（LED）內部。事實上，演出過程中，場燈也曾打出四個長方形的光區，並一一映照在四座LED面板上，形同對面板的模仿；換句話說，如果「虛能收實」，「實也能擬虛」。

平心而論，雖然發生在LED面板內也發生在投影牆上的視覺畫面，試圖建構一個奇幻的空間；在那樣的數位原生世界，幾何圖形和實體空間／物件並存（抽象的發光立方體、具象的洞穴和不斷自我增生的石頭）、3D和2D互動，但綜觀整體表現，最奪人耳目的，仍然是前述「燈／光」的分別與互動──有點可惜，雷射光線的表現給人「忽然殺出」的附加感，未能做出更完備的整合──其中虛實互動的意義值得進一步發揮。

「燈／光─視覺畫面─聲響」的三方連動是《感覺的邊界》的最大特色，我們面對不同媒材就有不同感覺，照理講它們的統整又能觸發另一層次的感覺，感覺因此能夠去論邊界及其跨越、融合或模糊。但回到一小時作品這件事上，我還是好奇，每一個媒材兼顧自身的邏輯，以及跟其他媒材邏輯的互動已經不易，因為時間尺幅的拉大又增添一個變數，是否真的必要？在好多次聲響、畫面和光影彼此銜接的空隙中，可能一到兩秒的時間，我還是不由自主地從「感覺」撤出，退回「思考」，因為主創者們都好清醒地在為作品布局，而我還是多少渴望著稍微放飛一下自我，回到派對的真實感覺，而不只是對當代新媒體和敘事方式的不停探索。